醒醒吧 醒醒吧「醒醒吧没有了这一眼万年的性感拯救香港电影就是自我欺骗」

近一年的香港电影，真算得上是“一半海水，一半火焰”。

先是古天乐的《明日战记》刷新港产片本土票房纪录，随后黄子华的《毒舌律师》又把这个纪录，拔高到1亿港币以上。

这中间，黄子华的《饭戏攻心》，也在香港本土口碑票房双丰收。

但来到内地，就完全变成了另外一回事。

《饭戏攻心》特意改名为《还是觉得你最好》，最终仅收获1.07亿票房。

而《明日战记》提前香港本土20天，却口碑不佳，票房虽有6.79亿，但背后却是古天乐的一把辛酸泪。

《毒舌律师》来到内地上映半个月，票房仅1.45亿。

投资高达2亿港币的《风再起时》上映1个月，票房才4900万；

另一部网络犯罪题材动作片《断网》，三影帝打底，上映8天票房也只有5841万。

但另一边，是内地院线的全面复苏。

春节档两部电影《流浪地球2》和《满江红》合共拿下近85亿票房；即使口碑一般的好莱坞大片《阿凡达：水之道》，上映至今也有接近17亿的票房。

开年3部港片皆不给力，不由得让人再次发出疑问：

“为什么一到了内地，这些港片就不行了？”

想要三言两语回答这个问题不难，所有人都能随便列举个12345，也能说得有模有样。

但若是要讲清楚，讲通透了，讲出道理来，就不太容易。

皮哥今天就尝试从历史的角度，来给大家分析一下，看看港片到了内地“水土不服”到底是什么原因。

现在之所以会有人发出“港片到内地怎么就不行了？”这样的感叹，原因就在于，我们都知道，也都经历过“港片很行”的年代。

那是在上世纪80到90年代，许许多多的港产片虽没在内地上映，还是通过“水路”让我们看到，香港电影文化也因此得以传播。

特别是进入90年代后，随着香港电影市场的繁荣。

周星驰、周润发的喜剧片，成龙、洪金宝的时装动作片，李连杰的武侠片，林正英的僵尸片，四大天王的偶像片等一股脑全涌入内地。

不仅极大地丰富了我们的文化生活，也深刻影响了70后、80后和90后一代人。

在那个年代，我们内地电影公司拍摄条件还十分艰苦，就连拍摄用的底片都要省着用。

拍出来的电影除了时长有限制之外，讲故事的能力也有待提高。

因此香港电影对于内地电影来说，可谓降维打击，由于那时候市场没有开放，内地院线有一段时间非常不景气。

咱们看电影的，也不清楚当时的港片怎么就那么好看，故事内容怎么就那么生动，表现手法怎么就那么赏心悦目。

其实香港电影发展到80、90年代，能有那么繁荣，也是靠着前面30多年的积累和沉淀，靠着电影人的认真摸索和埋头苦干。

皮哥在以前的文章中也提到过，50年代上海滩的一大批电影人才涌入香港定居。

这些人是香港电影业的奠基人。

当时就出现了“国语四大公司”邵氏、电懋、长城、凤凰，和“粤语四大公司”华侨、中联、新联、光艺，电影市场也很快达到空前的繁荣。

进入60年代后，人才济济的邵氏逐渐在竞争中脱颖而出，成为市场的龙头。

除了古装故事片之外，也尝试拍风月片、武侠片、恐怖片等，题材十分广泛。

李翰祥、何梦华、胡金铨、楚原、张彻这些导演，都是这个时期的代表人物。

假如你有兴趣发掘一些60年代到70年代的电影，就会发现其中有很多富有文化价值的精品。

虽然节奏比较慢，但故事非常有趣，充满文化底蕴，由此也能看出老一辈电影人的文化水平特别高，拍出来的那些电影也很耐看，这些都是香港电影的文化根基。

到了70年代末，以许鞍华、徐克、余允抗、严浩、方育平为代表的年轻电影人留学归来。

这些人为香港电影注入了新的血液。

论文化底蕴，徐克、许鞍华也许都不如李翰祥、胡金铨那么高。

但他们掌握的欧美工业电影的拍摄手法和创作理念，是那些前辈们所不具备的。

因此，我们看到80年代的港片制作水平比较之前提高了一个层次。

特别是在新艺城的《英雄本色》推出之后，港产片走上了工业化的道路，也彻底打开了东南亚广阔的市场。

也正是在这一时期，老一代掌门人邵氏电影逐渐掉队，最终在1985年宣布停产，并卖出了旗下的电影院线。

讲到这里，大家留意两个关键词：“文化底蕴”和“工业化”，这两项是港产片制胜的法宝。

以1992年嘉禾与内地北影厂的合拍片《黄飞鸿之三：狮王争霸》为例，这是当时为数不多能够引进并在内地院线上映的港片。

皮哥以前也详细分析过，这部电影的故事结构分家国、江湖和爱情三条线并行发展、相互影响，最后汇聚于一场赛狮大会。

片中既有黄飞鸿与鬼脚七、赵天霸的江湖恩怨；又有国人对于外来工业和文化的接纳和对国家前途的思考；还描绘了一段对传统礼教颇具反抗意义的爱情。

而这些故事还有一个“外包装”，就是我们的国粹舞狮文化。

《狮王争霸》足版也就132分钟，却涵盖了上面这么多东西，其内容丰富、剧本扎实、文化内涵极高，因此能够突破文化差异这层壁垒，让我们内地观众也同样喜欢。

而90年代的港片，像《狮王争霸》这样优秀的作品不在少数，这也是我们钟爱旧港片的原因。

然而到了90年代末，随着电影全球化进程的加快，大批欧美电影涌入东南亚市场。

在投资成本更大，制作更加精良的好莱坞大片面前，本就起步晚、市场小、成本低、格局小的港产片，很快就显出劣势，在激烈的市场竞争中败下阵来。

港片的溃败是全方位的。

一方面由于失去市场竞争力，投资商也变得谨慎，特别是来自台湾片商的投资缩水，导致电影的制作变得艰难。

巧妇难为无米之炊，预算少，服化道各方面都要节省，制作也就没那么讲究，刚刚起步的“工业化”进程也被迫中止。

另一方面，市场的不景气也导致电影人才的大量流失。

成龙、周润发、李连杰、杨紫琼、洪金宝、甄子丹远走好莱坞；

赵文卓、于荣光、吴京等都回内地拍电视剧；

而徐克、王晶、陈可辛、刘镇伟、林超贤、周星驰等实力大牌，也纷纷北上发展。

雪上加霜的是，随着倪匡、楚原、吴楚帆、黄炳耀、邱刚健等那些名编剧的退场，港片也渐渐失去了它那层文化底色。

似乎在一夜之间，我们发现港产片变得“不会讲故事”了，其人物动机和塑造越来越简单，剧情发展的套路化也越来越严重。

比如2001年成龙主演的《特务迷城》。

当年嘉禾豪掷约2.1亿人民币，希望借贺岁档期收割票房，就因为故事太拉垮令观众无法接受，最终遭遇滑铁卢，全球票房仅2050万美元（约1.7亿人民币）。

按照三分之一的分账比例，片方能收回6000万元，对比影片成本，实际亏损1.5亿。

此片的失利导致成龙出走，嘉禾元气大伤，也宣告了香港电影“大片时代”的终结。

此后，嘉禾再也没有拿得出手的大制作。

2007年，邹文怀将嘉禾卖给上海橙天娱乐。

曾经叱咤风云的江湖霸主，终于在这一年轰然倒下了。

伴随着嘉禾的陨落，港产片也朝着低成本、小制作的方向走。

其总体的产量和质量都一降再降，即使每年提名金像奖的电影中，都难觅几部拿得出手的作品。

讲到这里，就不能不提2002年的《无间道》。

这部由刘伟强、麦兆辉合作执导，刘德华、梁朝伟主演的警匪片不仅拿下5505万港元的全年最高票房，还在金像奖上拿下7项大奖。

轰动整个华语圈的同时，也让郁闷多年的香港电影人看到了希望。

当年的颁奖典礼上，吴思远难掩激动之情，向全世界宣告：

“有香港就有香港电影，香港电影不死。”

但21年过去了，如今回头再看，《无间道》的成功，更像香港电影的“回光返照”，其对港片的影响也并非全是正面的。

与传统的香港电影作对比，《无间道》明显是一部反套路的作品。

片中代表正义的陈永仁忍辱负重多年，却意外失去主角光环，落得惨死的结果。

整部电影不再是大团圆结局。

更特别的是，《无间道》摒弃了以前港产警匪片如《警察故事》、《老虎出更》、《逃学威龙》那种轻喜剧的氛围，取而代之的是一种肃杀、悲凉的气氛。

主角陈永仁和反派刘健明都难以逃脱宿命的安排，抬眼望去，看不到生的希望。

放眼以往的港产片，轻喜剧基调一向较受观众欢迎，成龙、周星驰、李连杰的那些成功的作品，无不带着无处不在的笑点。

即使描述英雄末路般悲壮的《英雄本色》，也让小马哥带着点吊儿郎当和幽默感。

因为这些观众爱看，有助于电影卖出更好的票房。

但《无间道》却反其道而行，在控制好节奏，增加紧张感的同时，竭力表现主角在命运的漩涡中到处碰壁、痛苦挣扎的过程。

令人意外的是，这种反套路的表达，反而得到观众的肯定，收获高票房的同时，也获得良好的口碑。

有人说，这种对生存与前途的迷茫，正反映出香港人在亚洲金融危险的冲击之下，对于自身发展前景的担忧，因此香港人才会喜欢这部电影。

但这种溢出银幕的戾气，不仅在当时感染了观众，也影响了其后的那些作品，使港片从此都带着无比沉重的“怨念”。

《祝福》中的祥林嫂大家都是知道的，她本是勤劳、朴实、善良、顽强的好佣人，在经历命运的剧变之后，她成了人见人烦的可怜怨妇。

香港电影与“祥林嫂”也有诸多相似，它原本有很浓烈的文化底蕴，亦具备工业电影的雏形。

但在经历亚洲电影危机的冲击，以及全球化进程带来的市场竞争之后，电影人仿佛失去了从前那份从容和自信，变得胆小、懒惰、目光短浅、急功近利。

因此我们发现港产片越来越“难看”了。

它不仅失去了那些文化底蕴和制作工艺，还带上了令人反感的戾气，渐渐地我们也就不再喜欢了。

近几年亚洲电影业发展迅猛。

韩国、日本、泰国和我们国家的几个电影分支，都涌现出许多高口碑电影。

港产电影，也出现了一些在本土卖得很好的作品，比如《麦路人》、《梅艳芳》、《明日战记》、《正义回廊》、《饭戏攻心》、《毒舌大状》等。

这些电影由于多为新人执导，相较以前在观感上有了很大的进步。

由于其故事都发生在香港，对香港人来说有一种熟悉和亲切感，这些都带动了香港人观影的热情，因此它们在香港本土都取得了很好的票房成绩。

但来到我们内地上映，由于我们内地人并没有这种亲切感，好坏只看电影本身的质量，于是这些充斥老套桥段的影片，自然就没能激起太大的水花。

也是从这个时候起，网上有网友总结出港片“水土不服”的说法，其实皮哥觉得这样的说法还比较片面。

我们相信只要电影本身质量过硬，即使文化层面存在差异，也能够在不同的地方同样得到观众的肯定。

比如2016年阿米尔·汗主演的印度电影《摔跤吧！爸爸》，就因其励志的主题和吸引观众的故事，在内地狠狠火了一把。

和印度电影相比，港产电影在文化差异这一层面必然与内地更加接近，没能取得高票房，问题还在电影本身。

电影由“天下一ONE COOL”的制作团队打造出来的15公斤(33磅)重机甲和1700个特效镜头，的确令人耳目一新。

但其故事本身，则仍然是港产警匪片的那种老套路，观众看了30分钟就失去了悬念感，这才是电影票房不给力的原因。

再看今年在香港贺岁档拿下1亿港元票房，创造新纪录的《毒舌大状》，来到内地之后改名《毒舌律师》，至今上映半个月票房也仅有1.6亿。

《毒舌律师》为什么卖不动？

一是栋笃笑天师黄子华的个人表演，在内地受众相对较小，影片大部分票房也产生在广东省；

二是其故事本身仍然是小格局，坏人坏得不彻底，法庭上的唇枪舌剑也没能呈现出来，也缺少反转和悬念，这些都非常遗憾。

其实《毒舌律师》的卖相还算好。

《风再起时》和《断网》这两部电影，质量更是一言难尽。

《风再起时》节奏缓慢，故事乏味，143分钟的电影让人如坐针毡；

《断网》则是网络犯罪题材包装下的一部套路化警匪片，其故事乏善可陈。

曾有人把香港电影的复兴，寄托在香港明星身上，有老一代的，有新一代的。

可事实证明，古天乐救不了香港电影，刘德华也救不了香港电影，黄子华等其他明星艺人，更救不了香港电影。

“尽皆癫狂，尽皆过火”。

其实回过头来看，香港电影能成为一种潮流，能让无数观众沉迷。

最核心的原因在于，藏着文化底蕴和工业化这两个最独特的“性感”。

在这两种性感元素的支撑下，香港电影从骨到形，都让观众流连忘返，一眼万年。

所以现在还在空喊空号的那些人，应该醒醒了。

没有了这些性感元素，拯救香港电影，就是自我欺骗。

以《毒舌律师》《风再起时》和《断网》为模板，确实可以看出目前香港电影的成色。

相较低谷时期，港片确实有些进步。

但香港电影人若想要将香港电影带回到90年代的高度，还需要投入更多的心思，团结一气、加倍努力才行。

皮哥觉得，香港电影人在心理层面仍然有一种优越感和自满的情绪。

也就是有点“敝帚自珍”，认为“我们拍出来的就是最好，你们不喜欢只是你们不懂欣赏”。

这种情绪让他们目空一切，看不到世界电影的发展进步，和自身的不足之处。

因此香港电影才会越来越小众，在本土也许能卖得很好，到了内地就卖不动了。

皮哥希望香港的电影人能够看到这些，放下架子，该学的要学、该改的要改；也希望香港电影能够越来越好，再现往日的辉煌。

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